[DIÁLOGOS]

PINTURA, MÚSICA Y PATRIMONIO

 

"Nit i somni" (Nacht und Träume)

Enric Ansesa y Xavier Escribà

Comisaria: Carme Sais

 

Del 28 de julio al 8 de octubre de 2017

Apertura, viernes 28 de julio a las 19 h

Inauguración, viernes 18 de agosto a las 19 h

Canónica de Santa Maria de Vilabertran

 

Exposición en el marco del Festival Schubertíada de Vilabertran (del 17 de agosto al 3 de septiembre de 2017).

 

Este viernes 28 de julio a las 19h en la Canónica de Santa Maria de Vilabertran tendrá lugar la apertura de la exposición "Nit i somni" que reúne obras recientes  de Enric Ansesa y Xavier Escribà. La muestra, organizada a cuatro manos entre le Agencia Catalana del Patrimoni y el Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona, se inaugurará oficialmente el viernes 18 de agosto a las 19 h con un acto que contará con la presencia del Honorable Lluís Puig i Gordi, Conseller de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

 

Diálogos: pintura, música y patrimonio es un ciclo estival que aúna tres puntales de la cultura: la pintura, la música y el patrimonio. En el marco de la canónica de Santa Maria de Vilabertran tiene lugar, desde hace veinticinco años, la Schubertiada, un festival internacional dedicado al mundo del lied romántico y a la música de cámara, donde se ha abierto una programación dedicada a la pintura contemporánea.

 

"Nit i somni" (título original: Nacht und Träume, y en inglés Night and Dreams) es un lied de Schubert compuesto en 1822 a partir de una canción de Matthäus von Collin y que se caracteriza por una gran simplicidad y el pianissimo de extrema delicadez que son un concentrado de belleza en 8 líneas de 59 sílabas. Este es el tema propuesto a los artistas participantes como hilo conductor de la exposición.  

 

 

Se trata de la tercera edición de esta programación de exposiciones dedicada a la pintura contemporánea, que en años anteriores ha exhibido la obra de Montserrat Costa y Jordi Martorano (2015) y Quim Corominas y Assumpció Mateu (2016), que quedará recogida en un catálogo de futura aparición.    

 
 

Enric Ansesa

 

La obra de Enric Ansesa, rotunda, sensible y de una profunda armonía estética, mantiene la constante del color negro. El negro, que va más allá de la luz, que se transforma en energía y al mismo tiempo en espacio. De composiciones constructivistas, en ella se configuran dialécticas sígnicas y gestuales, a menudo de un marcado sentido minimalista.

 

Estas trece pinturas, todas interelacionadas en la evolución del concepto del espacio hecho pintura, quizá como "Nacht und Traüme" de Schubert o como el yin y el yang de Tao, el inventario de los muertos y la lucha punzante de os que quieren vivir más allá. Puntos, campos, presencia, son diversas denominaciones o referencias para edificar este contínuum a partir del punto-centro que, al multiplicarse, busca el infinito en la ocupación del espacio, a modo de encefalograma del pensamiento actual, en el que la reflexión de las secuencias no es más que el hoy, que es el futuro del ayer.

 

Con una profunda conciencia cultural y social, Enric Ansesa (Girona, 1945) es un artista comprometido con la realidad de su entorno sociopolítico y cultural. Su obra se ha expuesto en la Fundación Vila Casas, la Galería René Metras, la Galería Barcelona, la Galería Greca y la Galería Imaginart, en la Fundació Espais, la Galería Presenta, la Galería Horizon, Tecla Sala, la Galería Tobermory, Espai Blanquerna, la Galería MR, la Galería Clive Foster, la Galería Adam's Art, la John Hansard Gallery, la Corner House, la Galería Art Sud, la Galería Dalia Tawil, la Universitat de Princeton y el Rosa Parks Museum, la Galería Grand Eterna, el Museo Jean Lurçat o el Centro de Arte Daniel Suárez, entre otros y en diversas ferias de arte internacionales: Bolonia, Arco (Madrid), FIAC (París), Bogotá, Teheran, Caracas, Índia, etc. y forma parte del fondo de arte de diversas colecciones. 

 

 

 
 

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Xavier Escribà "Sueños pictóricos"

 

Aunque se define como pintor, muchas de sus obras toman una corporalidad que las acerca a una cierta sensibilidad escultórica. La ambigüedad de ser al mismo tiempor pintor y escultor es una muestra más de su infatigable cuestionamiento sobre lo que puede ser pintura hoy.

 

"Sueños pictóricos" es un conjunto de obras formalmente muy diversas pero que responden a un mismo criterio de libertad e identidad autónoma que el artista ha querido que convivan en un mismo espacio mental circunscrito por el envoltorio de madera. Com si de un sueño se tratara este revestimiento favorece una dimensión espacio/temporal donde toda lectura y experiencia tienen cabida.

 

 

Xavier Escribà (París, 1969) inició sus estudios en la facultad de Belles Arts de Barcelona y los acabó en París en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Desde 2005 reside en el Empordà donde también tiene el taller. Su obra ha sido reconocida con diversos premios como el Prix Fénéon, el Prix de Peinture-Antoine Marin o la 4a Bienal d'Art, Fundació Casa de Cultura de Girona; forma parte de diversas colecciones como las del Museu d'Art Modern de Tarragona, la
Fundació Vila Casas, la Fundación Alorda Derksen, el MNCARS, el Eestikunsti Museu, el Fonds Municipal d'Art Contemporain de París o el Musée d'Art Moderne de Céret y ha estado presente en ferias nacionales e internacionales como FIAC, The Armory show, Art Cologne, Arco, Art Bruxelles, Art Basel, Art Shanghai o Art Genève (Ginebra).

 
 

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Carles Congost. A sense of Wonder


Del 18 de mayo al 15 de octubre de 2017
Centre d'Art La Panera. Lleida



"A sense of wonder" (un sentido de la maravilla o la capacidad de maravillarse) es una propuesta expositiva que reúne los trabajos más recientes del artista Carles Congost. Se trata de una coproducción entre el Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona y el Centre d'Art la Panera, Lleida.   



Son trabajos que se han visto muy poco en nuestro país (en algún caso, son inéditos) y vienen avalados por diversos premios y distinciones. Como es habitual en él, no deja de lado la desinhibición a la hora de utilizar referentes del mundo del pop o de la cultura de masas, ni el recurso hacia mitologias personales, ni muchos otros aspectos que han caracterizado su obra y, a menudo, han dificultado su clasificación.


A nivel temático hay dos grandes ejes que vertebran estos trabajos: la música y la práctica artística, pero siempre como un recurso argumental para abrir puertas hacia otros aspectos más universales evitando la literalidad y las verdades incontestables. En esencia, esta propuesta profundiza en la capacidad que tienen estos trabajos de sorprendernos, de confrontarnos como espectadores, de descubrir cosas que no se creen posibles en primera instancia...En la capacidad de maravillarse (A sense of wonder).


Carles Congost tiene una sólida trayectoria que incluye numerosas distinciones como la Beca de Artes Plásticas de la Fundación Botín (2014), el segundo Premi de Videocreació impulsado por LOOP Barcelona, la Xarxa de Centres d'Arts Visuals de Catalunya y el Arts Santa Mònica (2015), el Premio de Videoarte de la Fundación BBVA (2015) y el Premi Ciutat de Palma (2016). El 2016 participó en la bienal internacional Manifesta 11 en Zúric (Suiza) con la obra 'Simply The best' que tuvo un gran reconocimiento. Esta exposición supone la presentación en nuestro país de esta obra.



Comisario: David Santaeulària    

 
 

Epigènesi

Guillermo Basagoiti Brown

Del 13 al 21 de mayo de 2017

Dentro de ‘Temps de Flors' 2017 (Número 102 del recorrido)

Una propuesta del Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona en Bòlit_StNicolau

Entrada libre

 

Por primera vez, el Bòlit, Centre d'Art Contemporani. Girona participa en "Temps de Flors" y lo hace presentando el proyecto escultórico Epigènesi del artista Guillermo Basagoiti Brown en Bòlit_StNicolau.

 

Las esculturas de Basagoiti son poéticas y contundentes a la vez, y están hechas a partir de estructuras de origen orgánico que se vinculan con la ornamentación floral y vegetal, fusionando la tradición y el arte contemporáneo.

 

Estas obras de formas geométricas realizadas con madera de las Gavarras se complementan, por su origen natural, con la decoración estrictamente floral creando un interesante coloquio estético.

 

La finalidad de la obra, como apunta el autor en el catálogo editado para la ocasión, se sitúa en el anhelo y la tentativa de reproducir o reencontrar una sensación perdida: "Entiendo Epigènesi como una serie de autoretratos psíquicos. He utilizado materiales que me eran muy familiares como la madera, ciertas formas geométricas, el color azul cobalto... y el esfuerzo titánico que me impulsa a crear estas obras, todo esto me remite con mucha fuerza a mi origen. Reconozco en cada pieza significados que condicionan mi particular realidad. Las obras salen al exterior desde el impulso creativo, ellas componen el lenguaje con el cual me expreso".

 

Todos los elementos de esta propuesta tendrán un gran impacto dentro de un edificio tan emblemático de la ciudad como es la capella de Sant Nicolau. La ornamentación floral, de una manera sutil pero contundente, nos conducirá y trazará el recorrido. Serán las propias flores, las que nos llevarán a descubrir un espacio diseñado a partir de 9 circunferencias de 6 cm de altura y que cubren una superficie total de 10 metros cuadrados.

 

Guillermo Basagoiti es un autor autodidacta residente en las comarcas de Girona que actualmente forma parte del Centre d'Investigació Artística | Espai Tònic de Vulpellac (Girona) donde también ha expuesto este conjunto de obra. El artista reconoce sus raíces de manera fulminante. Las siente, mira y observa, compara y expresa. Aún así, en su proceso creativo se deja llevar por la pasión, sacando, cortando y acoplando en una obra que es fino reflejo de aquella Asturias que lo vio crecer, bosques y humedades que inspiran su contundencia, su cromatismo y unos cortes directos, sinceros y limpios.

 

Con la colaboración de los voluntarios: Carles Alonso, Rosa Capdevila, Laia Cormenzana, Albert Gisalló, Meritxell Jiménez, Anna López Ramió, Maica Rubinat, Mariona Salvadó, Laura Servent, Olga Solà y Oriol Terrats.

 

Visita comentada

Con Guillermo Basagoiti Brown

Martes 16 de mayo de 2017 a las 20h

Acceso libre

 

Catálogo

Con motivo de la exposición "Epigènesi" en Girona, Torroella de Montgrí (Museu de la Mediterrània) y Vulpellac (Espai Tònic), se ha editado un catálogo que se pondrá a la venta próximamente.

 
 

Caminar sobre el hielo
Épica y disfuncionalidad en la práctica artística

 

17.01.201 - 02.04.2017
Nivel 1
Arts Santa Mònica, Barcelona

 

Pauline Bastard, Lúa Coderch, Rafel G. Bianchi, Lluís Hortalà, Fermín Jiménez Landa, Pere Llobera, Mercedes Mangrané, Àngels Ribé y Irena Visa.

 

En invierno de 1974, un joven Werner Herzog decide ir andando de Múnich a París para visitar a su amiga y critica de cine Lotte Eisner, que se encuentra muy enferma en el hospital. En lugar de viajar rápidamente a la capital francesa para reunirse con Eisner, Herzog inicia un viaje solitario a pie que, según el, mantendrá a su amiga con vida mientras camina. Su aventura duró del 23 de noviembre al 14 de diciembre de 1974. Cuatro años después, esta hazaña dio pie a la publicación de un pequeño ensayo: Del caminar sobre hielo.

 

"Caminar sobre el hielo" es una exposición colectiva que sitúa su punto de partida en este relato. El cineasta alemán describe de forma minuciosa los paisajes, situaciones y pensamientos que le acompañan durante el viaje. Una traducción en el ámbito de las artes visuales donde la ausencia de practicidad de su viaje abre dos posibles interpretaciones: por una parte, la activación del paisaje a través de la performance y la experiencia directa; por otra parte, un análisis sobre la disfuncionalidad del arte, un contexto capaz de destinar un gran esfuerzo y energía a empresas ajenas a las convenciones que configuran nuestro entorno social.

 

El romanticismo individualista de Herzog y su fascinación por aquello o aquel que se sitúa en el limite (de lo geográfico, lo humano, lo posible, lo necesario...), nos sugiere a su vez una forma específica de entender la practica artística desde el presente. Una lectura particular en la cual, ya sea por necesidad individual o por progresiva desilusión o desencantamiento de aquello colectivo, la condición del artista se mide mediante la perseverancia eufórica del reto.

 

Después de una primera vida en el Bòlit Centre d'Art Contemporani de Girona, la exposición se adapta ahora al Nivel 1 del centro Arts Santa Mónica de Barcelona. Debido a sus características de la sala - un pasillo amplio situado en el primer piso - este segundo capitulo potencia las conexiones de espacio y tiempo, que definen la hazaña de Herzog: su caminata en línea recta de Múnich a París y el avance cronológico de su relato. El planteamiento expositivo convierte la visita en una secuencia de tiempos condicionada por la linealidad estricta de un recorrido.  De izquierda a derecha, las obras se exhiben en frente nuestro con autonomía propia. No existe diálogo en el espacio, pero si en el tiempo.

 

En definitiva, "Caminar sobre el hielo" analiza la fragilidad y la intensidad de la acción de Herzog - la de avanzar por un lugar inestable, incierto - mediante un encuentro entre artistas de varias generaciones y procedencias.  Artistas que comparten su gesto simbólico y inútil. En este sentido, la exposición es un homenaje a la condición disfuncional y poderosa del artista. Por cierto, Lotte Eisner venció su enfermedad y no murió hasta el 1983.

 

Coproducido por: Arts Santa Mònica, Barcelona y Bòlit Centre d'Art Contemporani de Girona.

Comisario: David Armengol

Diseño de la exposición: Xavi Torrent

Diseño Grafico: Vellut

 

Colaboradores: Transversal-Xarxa d'Activitats Culturals, Ajuntament de Mataró, MAC, Ayuntamiento de Sant Cugat y Centre d'Art Maristany