J(e m)'accuse o la muerte del autor

Daniel G. Andújar, Dionisio Cañas, Azahara Cerezo, Enric Farrés Duran, Dora García, Núria Güell + Levi Orta,  Rogelio López Cuenca, Mateo Maté, Marta Negre Gallén, Pere Noguera, Itziar Okariz, Tere Recarens y Francesc Ruiz Abad

Comisario: Adonay Bermúdez

Inauguración, jueves 20 de junio a las 19 h

Del 20 de junio al 13 de octubre de 2019

Bòlit_PouRodó y Bòlit_StNicolau

 
 

Esta muestra ofrece, en primer término, el apropiacionismo sin complejos y, en segundo lugar, relecturas sobre los conceptos de autoría, imagen, icono y lenguaje y el uso de la repetición como ejercicio de aprendizaje.  J(e m)'accuse o la muerte del autor propone subrayar la percepción de apropiación como recurso, como maniobra y como posibilidad crítica, así como analizar los mecanismos con los cuales ésta se codifica.

 

El área correspondiente al altar y a los tres ábsides semicirculares localizados en Sant Nicolau han sido invadidos por una sola escultura, Apolina (2016) de Mateo Maté (Madrid, 1964). En la parte más sagrada de cualquier arquitectura cristiana se ha situado una versión hermafrodita del conocido Apolino de Praxíteles o, siendo conocedor de su disposición, una especie virgen transgénero, permitiendo que afloren diversas lecturas paralelas.

 

A esta escultura le acompaña una serie de piezas repartidas por la bóveda de cañón. Una de ellas es Buenas intenciones (2016-2019) de Núria Güell (Girona, 1981) y Levi Orta (Cuba, 1984), quienes han ido adquiriendo antigüedades de territorios en conflicto que previamente han sido expoliadas. Siguiendo la misma justificación barata de muchos museos europeos, los artistas se apropian de las obras con el objetivo de preservar el patrimonio cultural de la humanidad, conformando así su propia colección de arte. El espectador tendrá que discernir sobre su autenticidad.

 

Esta misma idea coleccionista se descubre en la obra de Enric Farrés Duran (Girona, 1983). Con Una exposición de dibujos (2015) se adueña de toda una serie de papeles olvidados que el artista fue encontrando durante años dentro de libros mientras trabajaba en una librería de segunda mano. Siendo consciente del potencial que tenían estos papeles (compuestos por dibujos y textos), Farrés Duran se sirve de ellos para (re)componer paneles y, de paso, generar polisemias. Como buen narrador de historias que es, corretea entre lo real y lo ficticio, procurando originar relaciones entre los objetos y los espacios, donde la casualidad siempre está presente.

 

Continuando con la reflexión en torno a las propiedades, aterriza en esta propuesta expositiva Pere Noguera (Girona, 1941), uno de los pioneros en los años 70 de los proyectos artísticos con fotocopias. La fotocòpia com a obra-document (1975) supone un excelente trabajo para profundizar sobre los límites de la materia, de lo cotidiano o del propio arte. A través de la ironía y la intuición, el artista fotocopia toda una serie de elementos de la vida diaria para situarlos como piezas de arte.

 

Al igual que pasaba con Núria Güell + Levi Orta y con Enric Farrés Duran, Dora García (Valladolid, 1965) busca la manera de confeccionar un archivo. Con Rezos (2007) la artista dirigió a un grupo de diez performers repartidos por diferentes partes de Madrid que relataban sin parar todo lo que veían y percibían. A través de un audio de una hora de duración, se escuchan descripciones de todo tipo, permitiendo que, mediante el uso de la palabra narrada, el espectador produzca imágenes en su imaginario que, a su vez, parten de una interpretación personal de otra persona.

 

Beaux Arts (1992) es la pieza seleccionada de Rogelio López Cuenca (Málaga, 1959) para participar en esta muestra, uno de los creadores más importantes dentro de la escena apropiacionista en España. El artista recurre a la imagen comercial de grandes marcas y empresas conocidas en la década de los noventa como estrategia para dinamitar el sistema capitalista, llevar el arte al espacio público y cuestionar su papel en la economía. El poder que emanan las imágenes apropiadas y, por ende, la grafía, como conjunto de elementos visuales con carga semántica, será una constante a lo largo del resto de la exposición.

 

Esta obra está íntimamente ligada a la videoperformance de Marta Negre (Castellón, 1981). La relación con las bellas artes y el carácter didáctico que emanan los lienzos de López Cuenca provocan una fuerte conexión con Los referentes (2016). La artista valenciana, en un ejercicio experimental, le solicitó a nueve alumnos de bellas artes que seleccionaran un breve fragmento de su autor de referencia. La pieza se articula como una crítica a la apropiación en los sistemas educativos, la repetición de ciertos patrones de pensamiento y la escasa presencia de la mujer en la historia del pensamiento europeo.

 

Copy to learn, learn to copy (2013-2019). Francesc Ruiz Abad (Girona, 1990) parte de un lienzo realizado en 2013 para replicarlo directamente en pared en formato mural. Mediante esta intervención el artista examina los conceptos de reproducción, repetición, copia, apropiación y automatización. Este lema se ha convertido en el propio statement de Ruiz Abad, interesándose por buscar la forma de desmitificar la figura del artista a través de la copia no únicamente de la obra de otros artistas, sino también de la publicidad o, incluso, de sí mismo. Interesante también es la presencia de la ironía y la casualidad.

 

Itziar Okariz (San Sebastián, 1965) insiste una y otra vez. Irrintzi. Repetition 90, 91, 92, 93, 94, 95, 96 (2001-2002) registra una acción de la artista donde graba el irrintzi, grito de exclamación utilizado en los valles vascos como medio de comunicación y que, con el tiempo, se ha convertido en un elemento identitario. La artista se apropia de este grito para discurrir sobre el papel de la configuración del lenguaje donde el proceso de repetición y el intento de perfeccionamiento se articulan como ejes fundamentales.

 

De la misma forma que Okariz, Tere Recarens (Girona, 1967) está sumamente interesada por los procesos de configuración del lenguaje. Con Farsi (2018-2019) la artista se centra en el farsi o persa, lengua oficial de diversos países de Oriente Medio y Asia Central, y especialmente en su vocabulario y en las cinco formas diferentes que existen para dar las gracias. A través de las palabras dialoga sobre aspectos culturales y reflejos sociales. Para ello se sirve de un espejo lleno de polvo y las palabras escritas con el dedo, una estrategia para generar cercanía y cotidianidad.

 

Okariz el vasco, Recarens el persa y Azahara Cerezo (Girona, 1988) el francés. Continuando con la línea de apropiación del lenguaje e, incluso, con la configuración de un archivo que ya veíamos en otros artistas, Cerezo documenta restos de soportes impresos que encontró en las calles de París entre abril y mayo de 2018, todos ellos correspondientes a manifestaciones acaecidas en la ciudad. Como es habitual en su trabajo, la artista aborda la singularidad del territorio y las relaciones de (in)visibilidad, así como la presencia y persistencia de los mensajes en el contexto actual.

 

Con la realización en 2017 de una taller y, posteriormente, de una acción/manifestación por las calles de Cáceres, Dionisio Cañas (Ciudad Real, 1949) plantea cuestiones como la apropiación del lenguaje y del icono, así como los procesos de aprendizaje. Mediante Lujo para todos (2017), el artista/poeta y un grupo de personas exigen, con megáfono en mano y de manera totalmente irónica, el acceso a la felicidad a través de un consumismo igualitario.

 

Al igual que veíamos en otros artistas, Daniel G. Andújar (Alicante, 1966) recurre a la ironía como maniobra subversiva. Con Liders (2014) el artista empapela toda una pared con impresiones de fotografías de dirigentes políticos del s. XX y XXI que previamente ha manipulado digitalmente. Toda esta colección de efigies ha sido alterada con iconos y logos procedentes de la publicidad, generando una distorsionada y disparatada propaganda que obliga al espectador a cuestionarse los límites de la realidad.

 

El apropiacionismo, como alteración sígnica y semántica, se configura como el epicentro narrativo de esta muestra. Eso sí, indirectamente (e intencionadamente) se abordan cuestiones como el feminismo, la identidad, el capitalismo, la publicidad o la cultura, así como los sistemas de hegemonía, adoctrinamiento o subversión.