Bòlit Residencia Girona Creativa    

 
 
 

Ariadna Isis Pérez Márquez (Zacatecas, México, 1977) es artista visual, docente investigadora y gestora cultural independiente. 

 

Sus investigaciones giran en torno al arte conceptual, no objetual así como el arte acción. Su obra se concentra, principalmente, en lo no objetual y ha sido presentada desde 1998 en museos, galerías y espacios abiertos del país así como en el extranjero.

 

Formó parte del equipo que realizó el diseño curricular de la Licenciatura en Artes en la Universidad Autónoma de Zacatecas. Coordinó el proyecto Niños muralistas de la comunidad Los Rancheros. Dirige el programa de residencias artísticas [R.A.T.] Puerto Zacatecas y fundó en 2015 el Festival Internacional de Performance Corpórea. Imparte cátedra en la Universidad Autónoma de Zacatecas desde 2008 y ha dictado conferencias en múltiples festivales y congresos.   

 

La residencia de Isis Pérez  se está llevando a cabo en colaboración con el FEM, el festival internacional de performance y art de acción.    

 
 

Performance

Isis Pérez

Dissabte 30 de novembre de 2019

19h

Bòlit_PouRodó

Entrada lliure

 

FEM es un festival internacional de performance y arte de acción protagonizado por las obras de mujeres artistas de todo el mundo.

 

FEM fue creado en 2002 por Denys Blacker y Anet Van de Elzen, fundadoras de la asociación Gresol.

 

FEM es reconocido internacionalmente como un evento de mujeres artistas que genera nuevas posibilidades de interacción y aprendizaje. El programa se puede realizar gracias a la colaboración de otras organizaciones e instituciones.

 

 


 

Residencia Albert Gironès y Anna Vilamú (octubre 2019)

 

Il canto degli uccelli

 

Albert Gironès y Anna Vilamú

RAD'ART de l'Associazione Artéco (Italia)

 

El proyecto Il canto degli uccelli, pretende hacer un símil entre la figura arquetípica del monstruo mitológic de montaña, y los carteles publicitarios que se sitúan también en les montañas y colinas junto a la carretera, haciendo un paralelismo entre la construcción de imaginarios que proponen uno y otro sistema en el contexto del mundo rural.

 

De esta manera, se propone la construcción de un artefacto en formato de "dispositivo publicitario", que instalado en una ubicación por determinar del contexto rural de San Romano de Mercato Saraceno cambie drásticamente de aspecto entre el dia (cartel publicitario) y la noche (monstruo).

 

Este proyecto ha ganado la convocatoria 2019 de intercambio con el proyecto RAD'ART de la Associazione Artéco (Italia).

 

Open Studio ‘Un inganno tira l'altro'  

Domingo 3 de noviembre a las 16h

Spazio RAD'ART. Mercato Saraceno (Italia) 

 

‘Un inganno tira l'altro' es una investigación de elementos de naturaleza artificial que faciliten la creación, la reproducción y la perpetuación del imaginario. Por tanto, de artificios.

 

El proyecto investiga las relaciones entre tres elementos específicos hallados en San Romano: tres estructuras publicitarias abandonadas; siete círculos misteriosos que aparecieron  en un campo de heno y diversos artefactos caseros, con botellas de plástico, en los jardines de los vecinos.

 

La investigación se articula a partir de les conversacones mantenidas con personas del barrio y de diversas intervenciones al entorno de la localidad, para generar un entorno propicio a la especulación y la imaginación.  

 

Más información

 

 

Residencia Fidel García (octubre – noviembre 2019)

 

2.30

 

La obra en la cual trabaja está compuesta por una estación modular, un micrófono amplificador / parabólica, un sistema de transmisión y un sistema de energía solar de unas medidas aproximadas de 120 cm x 70 cm x 50 cm y pretende mostrar una pequeña estación de radio-oyente, que a nivel radial genera un proceso de integración.

 

La pieza pretende eliminar el estado agencial[1] propio de los conflictos, que genera sociedades conscientes pero imparciales frente la situación. Así, la obra se enfoca en la Valla de Melilla la cual limita el acceso de poblaciones enteras que huyen de conflictos, muchos de los cuales están provocados en sus orígenes por los mismos países que les imposibilitan el acceso.

 

Dado que se tratará de una estación física formada por un sistema de transmisión y un micrófono amplificador-direccional que apunta a la barrera, posibilitará que los individuos provenientes de éstas migraciones tengan voz ante la sociedad.

 

El artista estará tres días en Melilla donde montará y documentará en foto y vídeo la pieza que se instalará en algún  punto de la valla.

 

Fidel García (Cuba, 1981) utiliza el arte como medio o plataforma, con el objetivo de acceder a herramientas, campos de conocimiento, fenómenos: todos los agentes externos al arte que funcionan dentro de las estructuras de poder y control. Con esto permite a su trabajo generar un discurso, que pone en crisis sus propios recursos, así como detonar pilares específicos del sistema.

 

De esta manera, genera un arte de operaciones que se realiza desde transgresiones, conectando el activismo con lo antropológico. Trabaja desde dominios diversos como el biológico y lo estatal (virus, anomalías orgánicas, fuerzas naturales, etc.), sociedad (sistemas legislativos o la lógica social), telecomunicaciones (medios de comunicación, sistemas para controlar la información, como nodos o servidores, las redes telefónicas, etc.) reutilizándolos en función de un nuevo orden, determinado por el propósito de sus trabajos.

 

Las diversas etapas o periodos de trabajo permiten que sistematice no sólo conceptos, sino también todos los elementos que participan en las piezas. Estética, autoría, recepción, propagación, y otros campos no-físicos; éstos son entendidos aquí como recursos alterados, desde la funcionalidad y del resultado orgánico de los trabajos.

 

Algunos términos / estrategias en concreto que le interesan son el control territorial; errores en los mecanismos de control; la naturaleza de los diferentes flujos de información, como medios para la construcción de la realidad; estrategias utilizadas para desestabilizar los sistemas; o el análisis de las "Verdades" que gobiernan la realidad, es decir, Moral, Razón, Lógica, Estética y Ética.

 

www.fidelgarcia.net

 


 

Exposición

Del 26 de octubre de 2019 al 9 de febrero de 2020

Espacio Hall del Bòlit_PouRodó

Entrada gratuita

 

Open Studio

Viernes 8 de noviembre de 2019

17h

Bòlit_PouRodó

Entrada gratuita

 

Charla: Cuatro maneras de entender lo político

Fidel García, Núria Güell y Levi Orta

Viernes 8 de noviembre de 2019

19h

Bòlit_PouRodó

Entrada gratuita

 

Workshop New Media Art

Transdisciplinariedad, una forma global de atacar la realidad

A cargo de Fidel García

Sábado 9 de noviembre de 2019

De 9.30 a 13.30h

ERAM

Más información aquí


[1] Término acuñado por el conductista Stanley Milgram, Nueva York 1933 - 1984, el cual determina el momento exacto en que un individuo es capaz de obedecer o mantenerse imparcial frente una acción que ponga en crisis sus propios preceptos, si ésta es una orden de un individuo o entidad superior.                                          

 

Residencia Roc Parés (septiembre - noviembre 2019) - Intercambio con La Chambre Blanche

 

BHDD

 

BHDD es una experiencia de arte inmersiva basada en una instalación interactiva que permite a los participantes vivir su propia decapitación. Más allá de la violencia de éste enunciado, BHDD es un proyecto de investigación experimental que tiene como objetivo indagar en la deconstrucción de la subjetividad virtual y su función mediadora de la experiencia humana en entornos audiovisuales interactivos.

 

La confluencia del punto de vista del personaje, la cámara y el público que dio lugar a la crítica del POV en el lenguaje cinematográfico desde una perspectiva de género (Laura Mulvey, Visual Pleasure y Narrative Cinema, Screen, 1975) vuelve a tomar una importancia enorme en esta etapa en la cual el arte immersivo e interactivo busca su propia sintaxis, pero se mantiene anclado en las formulas representativas del cine y la televisión.

 

En este momento (verano de 2019) tengo en mi estudio un prototipo operativo de la instalación. Este prototipo funciona con un mezclador de vídeo que manipulo en tiempo real para producir la experiencia. Durante mi residencia en La Chambre Blanche, tengo la intención de desarrollar BHDD en una instalación autónoma totalmente funcional, que permita interactuar sin asistencia. Por ello, necesitaré incorporar un programador informático que pueda automatizar todo el proceso, permitiendo un flujo razonable de público.

 

 

----------------------------------------------------------------------------------

 

Roc Parés (nacido en Ciudad de México, México en el año 1968. Vive y trabaja en Cataluña) Artista e investigador en comunicación interactiva, la obra de Parés se caracteriza por la experimentación poética y crítica con las tecnologías digitales y ha sido presentada en festivales, centros de arte y museos de Europa, América y Asia.

 

Su compromiso con una cultura interdisciplinaria (que defiende por su potencial antidogmático y por su poder civilizador), lo ha llevado a explorar las intersecciones entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Parés es doctor en Comunicación Audiovisual y licenciado en Bellas Artes. Es profesor e investigador en el departamento de comunicación de la Universitat Pompeu Fabra (UPF) y sus proyectos de investigación han sido publicados por la British Computer Society, Academic Press, FECYT, Macba y MIT Press, entre otros.

 

Ha lanzado plataformas pioneras en arte electrónico, como, por ejemplo, "Galeria Virtual" (1993-2000), dedicada al desarrollo de la realidad virtual como medio artístico; "Macba En Línea" (1995-1997), una plataforma pionera para net.art; y M.A.L. (2011-2013), un laboratorio de arte con teléfonos inteligentes. De 2010 a 2015 fue codirector del máster en Artes Digitales, UPF.

 

En 2017 realizó el comisariado juntamente con Mery Cuesta de la participación catalana en la 57ª Exposición de Arte de la Biennal de Venecia con el proyecto "La Venezia che non si vede. Unvelling the Unsee", de Antoni Abad. Desde 2018, Roc es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México (SNCA).

 

 

http://roc-pares.net/

 

Residencia Jordi Martoranno (septiembre 2019)

 

Marca de agua - Huella de madera

Residencia en grabado contemporáneo

En colaboración con la Escola Municipal d'Art de Girona

 

Marca de agua - huella de madera, es un proyecto que comenzó a gestarse hace unos años, cuando invitaron al artista a hacer una residencia en Marruecos que finalmente no se llevó a cabo. Muchos de los conceptos que entonces quedaron aparcados, ahora se desarrollan en el contexto de la ciudad de Girona, con nuevas ideas y aportaciones totalmente renovadas.

 

Se trata de hacer una investigación "arqueológica" de soportes de madera en desuso que han quedado olvidados en diferentes talleres de carpintería de la ciudad. Recortes, formas aparentemente inútiles y silenciadas por el paso del tiempo, por el olvido y por el cambio de hábitos de trabajo de éste colectivo.

 

Hay una voluntad de crear un lenguaje singular alrededor de esta idea y de concebir la forma y el formato de las obras según el material que se encuentre y según las condiciones en las que esté.

 

Se hará una búsqueda de piezas, que expliquen alguna cosa sin ninguna intervención o manipulación directa, sólo con su disposición en el espacio plástica propiamente dicho.

 

De fondo, la idea de poner en valor la esencia y la técnica del grabado en madera recuperando en nuestra contemporaneidad volátil una disciplina milenaria, que dejó una profunda huella en nuestra cultura occidental des de Albert Dürer, hasta las xilografías japonesas.

 

El mundo entero es una matriz gigante (entendida como una plancha o soporte preparada para ser estampada) y todas las cosas que lo componen son susceptibles de dejar huella encontrándose en todo momento a nuestra disposición. Estas formas u objetos, están esperando ser descubiertas por nuestra mirada y ser finalmente legitimadas a través de cualquier disciplina artística.

 

Partiendo de la milenaria técnica de la xilografía japonesa y utilizando un papel japonés muy peculiar, se usarán los diferentes tacos de madera encontrados al azar, estampando a una sola tinta.

 

Esta técnica permitirá respetar al máximo las diversas texturas originales de las maderas. De esta manera, la madera expresará su propio lenguaje, sin buscar un estampado perfecto, y haciéndolo de manera totalmente artesanal que permita imprimir cierta frescura en la ejecución dando lugar a unas texturas singulares. 

 

En anteriores trabajos, Jordi Martoranno (Girona, 1965) se interesa por las relaciones y la conexión que establece el hombre con la naturaleza y el cosmos. Recorre a referentes provenientes de culturas pre-arcaicas, pero también a pensadores contemporáneos.   

 

Actualmente, trabaja en proyectos de antropología semiótica. Explora como y desde donde se generan las formas de los símbolos, su origen y sus propiedades morfológicas. Es un pintor que se siente cómodo trabajando en formas y materiales diversos, y tanto es así que ha realizado interesantes incursiones en el campo de la cerámica, el grabado y, puntualmente, en el tapiz contemporáneo.

 

Licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, ha hecho diversas residencias artísticas en el extranjero, París, Tolouse, Ustka o Nueva York. Ha sido galardonado con el primer premio de pintura Honda Greens (Art Situations) de la Garriga, ha participado en las exposiciones viajeras de la Diputació de Girona con el proyecto expositivo "Formas en correspondencia" que se pudo ver por toda la demarcación. Ha expuesto en Barcelona, Torroella de Montgrí (Galería Michael Dunev), Girona (Casa de la Cultura y espai U, taller de grabado Lupusgràfic), Vilabertran (Canónica de Santa María) Beziers, Francia (Espace Riquet), Peralada (Centre Cultural Sant Domènec).

 

Su obra se encuentra en diferentes colecciones como el Fons d'art contemporani (Ajuntament de Girona), la Baltycka Galería Sztuky (Utska, Polonia), Fons d'Art Contemporani (Fundació Valvi, Girona), Colección fons d'art contemporani (Diputació de Girona), Notre Damme Church (Nova Yors, EUA), Michael Duney Art Project (Torroella de Montgrí), Galeria Artur Ramon (Barcelona) o la Fundació Vilacasas (Barcelona), entre otras.

 

www.jordimartoranno.eu

 

Residència Anna Eyler y Nicolas Lapointe (julio y agosto)

 

"La Fable de OxA-21965"

 

Desde la Revolución Industrial, nuestra relación con la tierra se ha visto cada vez más mediatizada por las tecnologías de visualización, sonificacion, clasificación, cartografía y simulación. Al mismo tiempo, son los minerales y los materiales de la tierra los que nos han facilitado éstos desarrollos tecnológicos. Por lo tanto, se puede entender la Tierra como un objeto comunicativo en sí mismo, proporcionando los minerales esenciales para las tecnologías digitales contemporáneas. Pero, ¿es esto todo lo que la tierra tiene que decir? ¿Hay otras historias enterradas bajo la superficie?

 

Durante su residencia, Eyler y Lapointe explorarán las conexiones intimas entre la geología y la tecnología. Los seres humanos y la tierra existen en forma de bucle de retroalimentación, que influyen en -y, a la vez, están influenciados per -otro. En un contexto contemporáneo, entonces, la acumulación de residuos electrónicos aclara las cuestiones geofísicas de ésta relación.

 

Los artistas analizarán nuestro compromiso con la tecnología en el contexto del profundo (o geológico) tiempo como un desafío a la idea de desarrollo tecnológico como "progreso natural". Para llegar a éste objetivo producirán un proyecto de investigación y creación especulativo, site-específico combinando a) datos geológicos b) grabaciones visuales / sonoras i c) recursos textuales. El trabajo final será una instalación de vídeo y sonido monocanal.

 

Anna Eyler y Nicolas Lapointe son artistas multidisciplinarios con sede en Montréal (Canadá). En su práctica colaborativa, Eyler y Lapointe utilizan la escultura multimedia y el video para investigar el impacto que las nuevas tecnologías tienen sobre nuestra consciencia colectiva. Inspirándose en los vocabularios visuales de los centros de datos, la literatura de ciencia ficción y los videojuegos, los artistas reflexionan sobre cómo podemos reconciliarnos con nuestras experiencias cada vez más mediatizadas. Eyler y Lapointe actualmente están acabando sus estudios de máster en escultura y cerámica a la Universidad Concordia (2017 -)

 

Su residencia es fruto de la beca de intercambio con La Chambre Blanche de Quebec. 

 


Open Studio

Presentación del proyecto "La Fable de OxA-21965"

Jueves 29 de agosto de 2019
18.30h
Bòlit_PouRodó
Entrada libre

A través de vídeo generado por ordenador, La Fable d'OxA 21965 explora las intersecciones entre geologia, tecnologia y tiempo. Reuniendo artefactos escaneados en 3D y lugares de  toda la província de Girona, el vídeo muestra capas de historia geológica para examinar nuestro futuro colectivo.     

 

 

Residencia Domestic-Wild ( Marzo 2019 )

 

In memoriam_2019

Artista residente: Domestic-Wild (Ariane Patout i René Müller)

 

Esta residencia esta vinculada al 2n Festival Internacional de Land Art `Art & Gavarres' que tiene lugar desde Abril a Junio del 2019. Con In memoriam_2019 los artistas quieren hacer un homenaje a los 800.000 árboles quemados en las Gavarres a lo largo de los últimos 20 años.

 

Patout i Müller han realizado dos instalaciones al espacio público con los cuales recrean una escena funeraria, con los restos de un chopo a la Plaza de las Botxes de la Devesa de Girona i con árboles alcornoques quemados en los incendios del 2014 a las Gavarres a la Creu i la era de Romanyà de la Selva.

 

Los cadáveres de estos árboles reposan en la tierra cubiertos con mantas de supervivencia, creando una escena que habla por sí sola. Con estas acciones Domestic- Wild invitan a reflexionar sobre el valor, la fuerza i la fragilidad de la naturaleza, para acercarnos mas respetuosamente a los árboles como unos seres vivos de vital importancia para nuestras vidas.

 

Domestic-Wild trabaja sobre la relación entre lo salvaje y lo domestico, entre la naturaleza y el ser humano, reflexionando sobre el impacto transformador que ejercemos sobre el medio natural, evidentemente negativo durante mucho tiempo, pero con la esperanza de impulsar una evolución de consciencia para que esta fuerza de transformación se revierta en positiva.

 

A veces nos preguntamos, si estas mantas de supervivencia acabaremos llevándolas en el bolsillo para sobrevivir a este cambio climático.

 

Ariane Patout es artista plástica multidisciplinar, especializada en escultura e intervenciones en espacios públicos y del paisaje. Recibió el Premio SID'S (2013) a Suiza, Premio FAD Arquitectura (2014) de Barcelona, Premio Bienal Escultura (2016) de Valldoreix y finalista del Premio AFAD del 2013 y 2014, así como  finalista al Premio Ciudad Sant Cugat en 2014 por su recorrido artístico.

www.arianepatout.com

 

René Müller es diseñador, carpintero y artista Land-Art. Licenciado en Alemania, ha sido reconocido con el Premio FAD Arquitectura (2014) y Premio Bienal Escultura de Valdoreix (2016). Desde 2003 dirige su propia empresa con sede en Alemania, WOODLOOPS: JUST NATURE, donde deseña, produce y distribuye productos y mobiliario de madera FSC.

www.woodloops.com